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以人為主，一路都很篤定

姚宏易回想當初侯導《南國再見，南國》參展坎城時，隨行的他，逛街買了一台Bolex十六釐米攝影機，還記得那位老闆說的一句話：「好的導演從這裡開始。」

「我《金城小子》有一部分用這台機器拍攝，侯導看了很喜歡這種比例跟質感，畢竟那種畫面沒辦法人為經營，它是那種有缺陷的、天然的美感，既不用電、又要上發條，每個鏡頭只能拍25到30秒，他認為那個形式很有意義，它可以廢掉攝影師的武功。大家都知道攝影師愛構圖、愛光影、愛角度，拿掉這些東西以後你什麼都不行，你只能很直觀地，拿了就得拍了，拍了還常常Lose，你想拍到人物的慣性，就得抓得很準，要觀察很入微。當初他原本說要用這台拍《刺客聶隱娘》，大家都說他瘋了，拼命阻止他！」

由此可見，侯導想拍人，他把景擺在次要的位子，這種比例要聚焦人物，很難顧全景色，武打動作在4：3更揮展不開。然而，侯導對此一規格的堅持，一路都很篤定。

姚宏易回想拍攝過程中，侯導一直很討厭Cram之類的吊臂，當然這些機具還是有扛到現場，但侯導往往將之打入冷宮，他說故事幾乎不用這類東西，對軌道尤其不能容忍。

還記得電影後段一場戲，師傅站在山頭，聶隱娘去拜別，三千多米高的山頭，一堆人千辛萬苦將Cram抬到山頭，按賓哥的指示架好，侯導卻怎麼走都不會走到Cram那裡，永遠離那邊一百米以上，永遠在看其它地方，他說：「你們要你們拍一拍就好了！」他個性拗成那個程度，卻造就上映版本那個堪稱經典的絕美鏡頭。

精純的底片精神



入行二十多年的姚宏易，回想起以前底片時代，要了解的，就只有底片，邁入數位時代，看似便利，反而不確定感更重，現場你以為像你看到的那樣，豈料少勾選一個功能，色感就薄掉了。數位將影像給系統化，相對流失了許多精純的拍片精神。以前劇組對底片心存尊重，因為底片貴、底片有時效，「像到了賓哥的境界，他開始在挑戰底片的極限，他可以反著拍，烤熱來拍，白天用夜光片拍，晚上用日光片拍，買過期片來拍，加個五六塊鏡片看你能怎麼樣？」

反觀現在數位時代一開機，拍一兩小時都沒問題，工作的張力不見了，Monitor一播放，全劇組都圍在後面品頭論足，現場像一盤散沙。

也因此，以底片和4：3比例拍攝的《刺客聶隱娘》，其價值就不言而喻了。

生活的原型比什麼都來得重要



念美工的姚宏易儘管自認沒畫好過，但學得的東西還是有一定的積累，爾後進入電影圈，他也跨足美術、編劇等領域。不假手他人，現場執導顯得更有自信。

「我性格有內向的一部分，跟朋友要溫熱很久才會熟捻……我不好意思去主動熟識，唯有拿起攝影機才敢接近。我跟人的摩擦、交流，往往透過這種形式，得以迸發。」

姚宏易曾以紀錄片《金城小子》得獎連連，他也坦言拍攝前跟畫家劉小東沒有溝通太多。他引述侯導的話：紀錄片是生活的原型，不干擾是必須。

《金城小子》建立起他的美學價值觀，最重要是，他更加相信，生活的原型比什麼都來得重要，也更信奉電影的來源就是日常，所有的戲劇元素要從這裡無中生有。反觀現在很多學生成長太快，一下子要寫劇本，一下子想當導演，對生活的養成卻一概不解。加上影像媒材取得便捷，故不懂得珍惜。台灣年輕人很多資料都是Google來的，像大陸，眼睛睜開就要跟人搏鬥，那種人跟人的碰撞、競爭，密切多了，這種密切，也體現在他們年輕一代影人的作品裡。

在姚宏易眼中，幾乎拍不到叫紀錄片，看到了卻拍不到叫紀錄片，充滿遺憾的片子叫紀錄片。「說穿了，這些美學再高再深，全都是為了降低姿態以服務生命，藝術不能逾越過人，否則就不對了。」