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不過比起本片編導（比爾康登）改編的前一部作品《芝加哥》Chicago，似乎味道還是差了一點。

《芝加哥》最奧妙的地方，在於它讓原劇中的狂想鬧劇成分（以及華麗的歌舞場面），被巧妙地安置在一雙迷離的眼睛之後，變成了天馬行空的幻境，而這瘋癲的想像，卻又與區隔開的現實（特別是現今有過之無不及的媒體亂象與一日明星）呼應，契合無間，讓想像、舞台、真實三方勻稱地唱和，再加上導演對鮑伯佛西元素的熟稔與運用，對經典印象恰到好處的諧仿與借用，還有對舞台感與電影感的精準發揮，使整部電影一氣呵成、驚奇處處，讓人拍案叫絕。

這回自己也身兼導演的比爾康登，同樣小心翼翼地將大部分歌舞場面，盡可能地放置在理所當然的舞台上（至少在曲目最後，總是能回到舞台上結束），維持電影情節的「寫實」調性，以融入原劇中頗為鮮明的六、七○年代的時代感。只是比爾康登雖然野心勃勃地想把當時黑人民權、女權及越戰的時代背景，在影片中做為支撐戲劇內在的力量，卻反而忽視了他想說的故事、他想描繪的人。努力地想用動聽的歌曲做為人性的填塞（刪去了幾首做為敘事用的曲目，卻又狠狠塞進了滿滿四大段陳述心境的新歌，而且新歌的填詞者顯然火侯都不夠），使得劇情鋪陳匆促得只變成歌曲間的過場，無法帶給大多數的角色更立體的性格，或更具說服力的心理轉折。

「尋夢女郎」這齣劇的主題，與「芝加哥」喧嘩嬉鬧、戲謔嘲諷的態度並不相同，它當初的成功並不只建構在摩城唱片、黛安娜蘿絲與「至高無上合唱團」的八卦，或是漸漸開始佔據主流音樂舞台的黑人節奏藍調與靈魂樂，更是在於所有《星海浮沉路》、《星夢淚痕》、《歌聲淚痕》式故事，最迷人之處：世俗成功與自我價值間的對抗。就二十一世紀的標準來看，比爾康登所達成的，並不怎麼令人滿意。

另一方面，比爾康登忙於用他宛如過動兒般的電影語言說故事時，在多數時刻，他彷彿忽略了這齣劇另一個最迷人的地方：舞台，特別是舞台與真實生命觸動的交會時刻，界乎表演與真情流露的某個剎那。

只有一個地方意外（或許也不該算是意外）地達到了這個動人的境界，那就是劇中傳唱四分之一世紀的SHOWSTOPPER：『And I am telling you I’m not going』。有趣的是，這段之前攤牌撕破臉的『It’s All Over』，拍得還挺尷尬做作的（雖然用舞台區隔開來，但在沒有足夠的暗示推展之下，電影裡所有人突然講著講著就開始用唱歌來罵人），但這段女主角艾菲懷特對著男主角寇帝斯聲嘶力竭傾訴，到最後變成自己內在獨白的曲目，在珍妮佛哈德森的「舞台演出」（這段的場景佈置與場面調度非常厲害），與厚實有力又充滿韌性的嗓音唱功搭配下，完全不輸原版珍妮佛哈樂黛的咆哮力道，完美地把內心那股咄咄逼人、強悍、熱情，卻同時卑微、自憐、痛徹心扉的翻滾情緒，毫無保留地宣洩出來。你會發現，這是全片中最接近「舞台」的時刻，彷彿觀眾面前的第四面牆被拆除了，大家都屏氣凝神地看著一場奇觀式的歌唱表演，但又驚覺，這也是全片中最接近角色內心世界的剎那，在觀看的時候，簡直像是所有的感受，全都鬱積在胸口，逼迫得你快喘不過氣來，也在同時刺痛了你，不由得感傷心酸地掉下眼淚來。

就是這個時刻，這讓人難以形容、身心全被擄獲、無法抗拒的時刻，讓這部可能很快就沉入庸俗片海中的電影，閃出了經典的光芒。

P.S. 當初春暉電影台轉播那一千零一次東尼獎頒獎（蘿西歐唐納主持）時，我真的被當時身材已修飾得頗為姣好的珍妮佛哈樂黛（開場秀之一，記得還有蓓蒂露龐唱「貓」的『Memory』），唱『And I am telling you I’m not going』時極powerful的嗓音嚇到，後來在「Broadway Lost Treasure」DVD看到她82年的表演，才發現99年的表演其實已經是「抒情版」了。