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一首詩，一場舞蹈，一個眼神，一杯水，一個輪迴，這是我對第四十七屆金馬獎得獎名單的綜合意見。

一首詩，一場舞蹈，形容的是獲得最佳男配角獎的台灣演員吳朋奉。

《父後七日》的原著兼導演劉梓潔曾經告訴我有關吳朋奉的一個小秘密，電影還在籌備找演員時，有一回約了吳朋奉到餐廳見，結果，餐廳放的音樂讓吳朋奉很有感覺，當場就抖動了起來，那首音樂就是後來《父後七日》的配合吳朋奉登場作法的音樂「Hava Nageela」，吳朋奉也是因為有這款聞樂就能起舞的爆發能量，順理成章演出了《父後七日》中的道士角色，他踩著音符演出道士身段的開場戲，似乎也讓影迷可以想見劉梓潔第一次見到他時的感動。

吳朋奉能夠得獎，其實是對口條極棒的藝人一次最窩心的肯定，太多的台灣演員或許型不錯，但是一張嘴就見了底，魅力盡失，吳朋奉卻是一開口就逸趣橫生，能演活《父後七日》的道士角色，當然就要讓各種法號祭文都能如同從肚子中直接掏了出來，而且情文並茂，渾然天成；古文的典雅與儀禮的妥貼，都在他脫口而出的自在揮灑中，讓人心甘情願服膺照辦。

《父後七日》最神奇的一筆是：這位道士會寫詩。吳朋奉20幾歲時就愛寫詩，電影中他掏出自己筆記本，炫耀著自己的詩作時，就已經讓人眼睛一亮，充滿既期信又不可置信的懷疑，當他真的唸出那首「現代詩」：「我幹天幹地幹命運幹社會，你不是阮老爸，你給我管那麼多…」誰不絕倒？誰不捧腹？人的生命力，角色的生命力，就在詩與舞蹈的交錯下，擦撞出讓人難忘的火花。

眼神，則是我對金馬獎影帝阮經天在《艋舺》中的最高禮讚了。

已故的中國謝晉曾經叮嚀演員要善待雙眼，他說：「導演少睡覺可以，演員不行，覺睡得少，眼睛發澀。」利害的演員光用自己的眼神就可以轉換出內心獨白，讓觀眾看到眼神，就明白他的內心。《艋舺》中的阮經天，每一回的眼神凝眸，就有這款魅力。

我曾用「一根腸子通到底」的直率與認真形容趙又廷的表演，卻用了「九轉迴轉般彎轉多變」形容阮經天的表演，他的眼神著暗含著多少心事？他的眼神說出了多少個人的愛與恨，觀眾看見了，評審也看見了，我相信這就是他能擊敗群雄稱帝的主因，至於他的口條與肢體，相對之下也不遑多讓，這些都是好演員的必備條件，日後只要善選劇本，阮經天確實值得我們期待。

至於《第四張畫》的郝蕾，最精彩的演出無非就是在酒樓間想要調解爭執，卻被客人潑了杯水，然後屈己辱身讓人玩弄，體力和蠻力不如男人，卻又能在言詞間消遣性乏力的客人，展現了讓人動容的陰柔靭性。

至於小孩繪畫闖禍，媽媽被叫到學校面對老師時，情不自禁憶述往事，夢已殘，心已碎，不堪回首的茫然與認命，疲累已然穿透背脊，無奈卻也只能承受，生命還是得繼續的蒼白，也是讓人難忘的表演。

但是我覺得2010年台灣影壇最讓人的驚豔的三張成績單，其實都是來自人生寫實的具像寫真。首先要提的是得到最佳新導演獎的《台北星期天》，這部電影是我的年代十大華語電影之一，導演何蔚庭選擇的題材與類型，既是台灣電影少見的良心之作，亦是少有人敢於碰觸的喜趣風格，他在短片時期就已鋒芒畢露，第一部長片的成績，坦白說，還沒有得到應有的肯定，但願金馬獎的勝出，能讓他更能便捷地開創新視界。

至於鍾孟宏的《第四張畫》，除了導演獎，其實還該得到攝影獎（至少該與《當愛來的時候》的攝影師張展並列得獎），冷峻與荒蕪的視覺處理，堪稱是《第四張畫》最動人的美術風貌，全片對於家暴、弱勢家庭和陸配議題的關懷，也交出了傲人的觀察報告。

大獎贏家張作驥的《當愛來的時候》則是一次場面調度的精彩示範，大導演都像魔法師，每一筆色彩，每一個人物都有其功用，都能發揮其張力。《蝴蝶》時期的他，野心太大，想家一個混血家族的傳奇書寫台灣的家國歷史，層次太複雜，內容太隱晦，以致於知音有限；到了《當愛來的時候》，張作驥同樣是用家庭來寫青春紀事，一方面避開了選材上艱深與晦澀，另一方面卻要在素人演員的真情綻放中，提煉出人生真情。層次依舊多疊，技藝卻更成熟，給人倒吃甘蔗，漸入佳境的驚豔美感，有如一條原本在內陸蜿蜒的小川，已然彎轉出海，蔚成大江大海了。

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